音乐的故事

音乐纪录片《音乐的故事》，由英国音乐家、指挥家霍华德·古道尔（Howard Goodall）讲解，这部纪录片共有六集，分别讲述了西方音乐中六个重要的阶段。第五集“The Age of Rebellion”（反叛时代）主要讲述了19世纪末至20世纪初音乐界的一系列反叛。

一、背景

从瓦格纳逝世的1883年到一战爆发的31年间里，一系列反叛撼动了音乐界。俄罗斯音乐高歌西进，其他来自遥远的异域音乐也是如此；交响乐与歌剧都具有惊人的强度，让观众诧异不已，音乐中的现代主义诞生了；数百万贫穷的欧洲移民来到新大陆寻求庇护，加入当地白人、非裔美国人和华人劳工的群体，音乐的大融合；在新发明典唱机、收音机的帮助下迅速传播，并且刺激了蓝调、拉格泰姆乐和爵士乐的崛起。

在仅仅三十年里，音乐经历了一系列重大变动，变化的形式各种各样，有些令人激动，有些令人困惑。革命气息弥漫，一切法则和传统都遭到根本性动摇，音乐的世界里爆发一连串叛乱。

二、作曲家

这一时期各国作曲家的首要目标是取代19世纪晚期的音乐巨匠---瓦格纳。瓦格纳的思想、风格和音乐哲学，在古典音乐界曾一度广泛传播，本该出现一大群模仿者继承他的事业。但实际上，一场音乐界运动兴起，它的目的与瓦格纳截然不同，尽管不太好定性，但无疑是一次反瓦格纳的文艺复兴。

1、法国

从法国开始，瓦格纳最讨厌的东西都复活了。这一时期法国涌现了一批作曲家，他们的作品追求简洁和明晰，摒弃所有的虚伪和一本正经。感谢他们对瓦格纳的反抗，法国人即将迎来音乐的黄金时代，瓦格纳逝世后的50年后，也是法国音乐最辉煌的时代。

（1）萨蒂：萨蒂的作品，听起来与瓦格纳和德国音乐精神截然不同，如萨蒂在1888年创作的《裸体舞曲第一号》。让人想到一个吃饱喝足后漫长、炎热的下午，可以说它打响了消除法国音乐中浮夸繁复风的第一枪。

（2）福雷：在这批法国作曲家中，他可能是最有才的，并且在福雷的作品中能听到J.S.巴赫一般的尊严和聪明。听完勃拉姆斯、李斯特、瓦格纳或柴可夫斯基，再来听福雷就好像有人清扫并重新装饰了一个少年的卧室，他优美的音乐仿佛就在说“冷静”。

（2）德彪西：27岁的德彪西参观了世博会，而这改变了他的音乐和人生，在巴黎世博会上他听到了佳美兰音乐、爪哇音乐以及穆索尔斯基的音乐。

①受到穆索尔斯基音乐的影响：在穆索尔斯基的音乐中，德彪西学会了一种创作音乐的新途径，相对海顿、莫扎特和贝多芬的创作方法，他是一种可替代方案。以前德彪西创作方法是选取一小段旋律或和一小段节奏，以它们为基础扩展出15到20分钟的乐章，而在穆索尔斯基的启发下，德彪西放弃了已有数百年历史的旧创作技术，从头开始。

②世博会：改变德彪西音乐的最重要因素是巴黎世博会，世博会集合了全球各地的展品和文化交流的增加，让地球村开始变成现实。其中一座爪哇村庄让德彪西深深沉迷，里面有一只佳美兰乐队，它用锣、种、碗和像木琴的风铃进行演奏，佳美兰乐队的独特声效和音阶，迷住了德彪西。他试图用钢琴再现这种东方音乐，虽然也复制不了佳美兰里面的锣、钟，还有其他铁质乐器的独特音质，也没有精确的亚洲式音阶，但他还是有两个模仿方法，第一个方法是利用所谓的五声音阶。它是由五个常见音组成的音阶，在东方音乐中尤其盛行，在钢琴上，只弹奏黑键就会出现五声音阶。

③作品：在德彪西的前奏曲《帆》里，有一整节都用五声音阶写成。其秘诀是让和声相互重叠，相互共鸣和回响，这种技术在钢琴上，可以产生有序的共鸣或者泛音。源自琴弦震荡，自然泛音史隐藏的音符，通常有很高的音调，任何声音里都有泛音，就像白光的光谱里有额外的颜色，而如果用钢琴上的毛毡制音器压住琴弦，就会停止发出自然泛音。德彪西想做的恰恰相反，他让琴弦像竖琴弦一样发声，让制音器离开琴弦，再弹奏和弦的做法，而这可以说是回归自然。

④贡献：德彪西为钢琴艺术开辟了新的领域，他主导的音阶与和声改革，带来了听觉上的全新可能性。钢琴第一次那么有异域风情，这么丰富多彩，德彪西以东方标准重新调整传统西式音阶。他的音乐激烈地背离了曾经伴随他的经典风格，德彪西基于亚洲声乐进行的和声试验，仍影响着音乐家们，特别是半个世纪后的爵士乐。

2、德奥

19世纪末至20世纪初德奥音乐占有重要地位，主要以马勒和理查.施特劳斯等作曲家为代表。

（1）马勒：接过瓦格纳在大型管弦乐和声乐领域大旗的作曲家，把自己与瓦格纳的差别做到了极致，他推崇瓦格纳歌剧在维也纳国家歌剧院的主导地位，但他也是瓦格纳最鄙视的犹太人。

①音乐风格：马勒的音乐以开放性著称，不同于瓦格纳的是马勒从维也纳周边喧嚣嘈杂的东欧人社区里，引入了各式各样的声响和节奏。

②交响曲：马勒的交响乐是通往20世纪音乐的大门，是音乐里的纽约埃利斯岛，让疲惫压抑的欧洲人，找到庇护和新开始。而他们留在欧洲的音乐文化，在马勒兼容并包的交响乐里安家。

③现代视角：马勒的音乐作品里逐渐形成的现代视角，这可以体现于毫不掩饰的真实与诚恳，这种坦率是对旧时代的大决裂，更像20世纪而不是19世纪的音乐。如在马勒之前的作曲家，想写一段关于孤独、绝望或沮丧的音乐，会用“夜曲”“悲怆”或者“悲怆奏鸣曲”这种泛泛地标题。而在歌剧里，如果你想让歌手表现情感或者政治问题，要先穿上花俏的戏服，打扮成另一个时代的人。

但马勒停止了这种角色扮演，他要用真正的磨难和欢乐，来打动周围真实的世界，不加装饰。实话实说，马勒把我们最坏的恐怖放进了音乐，这种理念现在听起来没什么，但是在1900年，它是惊世骇俗的新思想，如其作品《亡儿之歌》。

（2）理查.施特劳斯：是马勒之后德国首屈一指的作曲家，他的而音乐生涯，始于对李斯特的大力模仿，和对瓦格纳的一点点参考。

①风格：理查.施特劳斯的作品非常有气势，如其作品《查拉图斯特拉如是说》就很典型，它著名的序曲《日出》被斯坦利.库布里克的电影《2001太空漫游》进一步发扬光大，库布里克借它的力量，强调人类在进化之路上的额大飞跃。电影试图说明：思想的力量与人类发现武器的历程，所以需要雄壮的配乐，而理查.施特劳斯的这首乐曲就再适合不过了。

不过万能的理查.施特劳斯也能创造忧伤的、马勒式的微妙音乐。例如歌曲《明天》，它是理查.施特劳斯给妻子的新婚礼物，表面上歌词对未来充满乐观，“明天太阳依旧会照亮”，但它也有奇异的哀伤，事实上好像在暗示明天不会来到。在这个时候斯特劳斯似乎还继续准备用这种忧郁和传统的风格作曲。

②作品：理查.施特劳斯创作的歌剧《莎乐美》，这部作品在题材上较为个性，在音乐创作中配上了最不和谐、最愤怒的音乐，而这些使得这部作品震惊了整个中产阶级，并在音乐界引发了很大轰动。

3、俄罗斯

从这个历史时期来看，音乐似乎永远臣服于德奥两国风格的统治之下，不过一股新力量出现了，它是二十世纪初欧洲最振奋人心的声音。在19世纪的最后十年，沉睡的俄国巨人觉醒了，音乐将被永远改写。

（1）柴可夫斯基：整个19世纪的俄罗斯几乎都在孜孜不倦地延袭西欧文化，俄罗斯贵族认为它们比国内的一切都要精妙有趣。如在1880和1890年间享誉世界的俄罗斯作曲家柴可夫斯基。虽然此时柴可夫斯基也在模仿贝多芬和勃拉姆斯，不过柴可夫斯基具有某种俄罗斯特质的东西，它孕育着未来革命的种子---舞蹈。

①舞曲：如果说意大利人表达热爱音乐的最高形式，是充满感情的咏叹调，那俄罗斯人就是舞蹈，柴科夫斯基写下了一批史上最有名最难忘的舞曲《天鹅湖》。

（2）穆索尔斯基：他是一位真正有创造性的开拓者，也是19世纪晚期最具原创能力的作曲家，他拥有新颖思想，独立于同时期的作曲家。原因之一是由于穆索尔斯基没有读过音乐学院，也不是职业作曲家，他自学成才，所以很幸运他意识不到自己打破了作曲规则。尽管他的风格显得独特，并在当时引来人们的嘲笑，但穆索尔斯基证明俄罗斯音乐可以走自己的路。

（3）斯特拉文斯基：斯特拉文斯基在世界乐坛的闪亮登场，是谢尔盖一首策划的，谢尔盖是一位富有创业精神的艺术、舞蹈和乐队经理。1909年，他在巴黎成立了俄罗斯芭蕾舞团，目的是筹办一年一度的网络丝现代芭蕾舞节。他委托斯特拉文斯基创作配乐，乐曲以古老的俄罗斯神话《火鸟》为基础，斯特拉文斯基受命时还是无名小卒。而三年后，他是全欧最臭名昭著，又是最被热烈拥护的作曲家。

①创新：斯特拉文斯基对音乐传统的反叛，不只是奇异的音阶，或者被他加进管弦乐里的古怪叮叮当当声。斯特拉文斯基与他的前辈穆索尔斯基和德彪西一样，希望找到组织音乐结构的新方式，不再依赖于曲调本身的发展。如斯特拉文斯基特别想用不同的形式展现他的芭蕾舞故事，他创造出了一种蒙太奇，一种听觉的拼图，把一段不同的旋律，突兀地串联在一起。以此看来，芭蕾这种由短小、躁动、繁复片段构成的艺术，是斯特拉文斯基天生的创作载体，如舞剧《彼得鲁什卡》。

②民歌：斯特拉文斯基借用俄罗斯民歌的时候，他并没有照搬，而是用某种恶作剧棱镜扭曲它们。在实地采集民歌的过程中，受过良好教育的富人斯特拉文斯基，发现了一个原始、迷信的世界，远离工业文明的边境，他明智地重新包装了它们送给了观众，如作品《火鸟》。

③节奏：斯特拉文斯基像所有俄罗斯作曲家一样，着迷于舞蹈中紧迫节奏，但他对那种节奏做了不寻常的改造。在他之前，马勒曾经重叠旋律，让它们像绳子一样纠缠不分德彪西也曾让相邻的声音相互覆盖，但斯特拉文斯基更进一步。他把同步节奏叠加在一起，这种做法后来被称为“复合节奏”。

三、新发明

由于技术的变革，这一时期出现了一些新发明，而这些发明也开启了改变音乐的历史。

1、声波记振仪：由爱德华.里昂.斯科特.马丁维尔发明，这是一部神奇机器，发明者的目的是用图像的形式研究声音，不过它不能回放录音。2008年，美国工程师们用复杂的数字技术，把纸上的声波标记转回了声音，1860年的法国民歌手奇迹般地再度歌唱，声波记振仪开启了彻底改变音乐的历史。

2、录音机：爱迪生发明了可回放录音的机器，而录音技术的发明，让1900年积累的巨大音乐宝库，向全球数百人敞开，极大扩展了他们的音乐视野。曾经昂贵的、精英阶层的音乐，变成了普通商品，这是一件好事。录音技术还把民俗音乐和民族音乐带到了广大观众面前，这些音乐曾经只属于本地社群，受到录音技术推动最大的音乐，是非裔美国人的灵歌。

四、流行音乐

这个时期人们除了关注古典音乐以外，还不断的挖掘流行音乐。

1、蓝调：英王爱德华时期的爱缪尔.科勒律制.泰勒，带着自己的作品三次赴美演出，引发了轰动。其中一首作品里，能明显听出一种音乐的早期风格，这种音乐之后被称为“蓝调”。在20世纪和未来，它会以各种形式风靡音乐界，塞缪尔作品中的蓝调痕迹，是所谓的“降级音”出现在第三和第七音位置，在曲调下行的时候尤其明显。在19世纪的最后数十年里，蓝调音乐在美国黑奴社区里稳步地发展，并且一直坚持使用降三、七音，今天依然如此。以至于后来人们称这两个音为“蓝调音”。

2、拉格泰姆：（1）由来：拉格泰姆又称格拉，起源于圣路易斯和芝加哥的酒吧妓院，是室内钢琴师们模仿19世纪80、90年代流行仪仗队风格的成果，这种风格在乐队指挥约翰.菲利普.苏沙的指引下达到巅峰。为了模仿整支乐队---包括低音、伴奏和弦与曲调，钢琴师必须在琴键上大幅跨越，用左手做出极高雅的低音到和弦的反复动作。在伴奏上拉格泰姆钢琴师上还会加上一层动听的旋律，用它带动节奏，这种技巧称为切分音。

（2）切分音：拉格泰姆中引入的切分音，带来一种非常欢快的氛围，它源自步泰舞的班卓琴或钢琴伴奏，步泰舞是由种植园工们发明的一种滑稽舞蹈。它用来模仿和嘲弄白人们装模作样的交谊舞，那些把人也曾经有兴致地观看奴工们的步态舞会，完全没想他们眼中滑稽可笑的黑人舞步，其实就是讽刺自己。伴随步态舞的还有一种拉个泰姆变体，它是钢琴或乐队伴奏的强力切分音形态，诞生于新奥尔良的斯托利维尔区，即为爵士乐。

从此以后，这种音乐获得了生命，随着新式蓝调和它的众多后代们，人们开始重新定义流行音乐。

综上所述，19世纪末到20世纪的文化艺术领域中，作曲家在对以往的形式与观念否定的同时，艺术家们从广泛的角度进行追寻和探索，以致于涌现出各种思溥充斥着艺术领域的氛围。可以说，这个时期西方无论从社会的哪个方面来看，所呈现出的皆为不同风格并存的局面。并且，这一时期的音乐为之后的流行音乐也奠定的一定的基础。